La caractéristique principale qui différencie l’Atelier Collectif des ateliers d’initiation traditionnels réside dans les moyens mis à disposition du groupe de réalisation : le film est finalisé en 35 mm, ou au moins en HD et Full HD, avec des moyens techniques professionnels. Le petit plateau de tournage que nous utilisons dispose de deux cellules de prise de vue haute définition (un appareil photo numérique et un PC), doublées de cellule de contrôle de l'animation (un caméscope et un PC).

La technique d'animation que nous privilégions en particulier en Atelier Collectif, c'est le "Stop Motion", ou "animation en volume". C'est en effet une technique qui assure un travail créatif de bout en bout lorsqu'on travaille en collectif. C'est-à-dire que, même au stade du tournage, il y a encore le travail des lumières, de mise en scène et d'animation qui entre en jeu. Il est aussi plus facile de se mettre d'accord sur une esthétique en volume que sur un style de dessin.

Le public est très divers : étudiants, du secondaire et principalement du supérieur, demandeurs d’emploi ou émargeant à l’aide sociale, employés à temps partiel, etc.
Les participants n’ont généralement pas d’expérience préalable dans l’animation, le but de l’atelier étant de faire découvrir ce medium. Ils n’ont pas nécessairement de culture spécifique en matière de cinéma. L’idée directrice d’un tel atelier est de permettre à tout un chacun de s’ouvrir et d'élargir son champs culturel et social, y compris l'animateur de l'atelier.

Le coordinateur de projet fait en sorte que le stagiaire accomplisse des tâches en accord avec les objectifs pédagogique de l'institution dont il dépend. S'il vient d'une école de cinéma, il s'occupe de prise de vue ou de postproduction; d'une école de stylisme, des costumes; d'une école de traduction, des sous-titres; d'une école de communication, de la préparation d'un évènement; d'une école de Beaux-Arts, d'un peu de tout; etc.Du fait de leur présence régulière, sur base de la convention qui les concerne, ils permettent souvent d’assurer une continuité au projet, sachant que les inscrits habituels viennent en fonction de leur disponibilité et donc de façon aléatoire.

La participation de chacun est fonction de ses envies propres et de sa disponibilité. Aucun rôle prédéterminé n’est attribué à l’un ou l’autre des participants, à chacun de déterminer la part qu’il veut prendre dans le projet et à quel niveau de réalisation.

Certains viennent d’avantage pour le scénario, d’autre pour le montage et les effets numériques, d’autre encore s’intéressent plus spécifiquement à l’animation pure ou à la scénographie et aux costumes. Enfin, il y a ceux qui viennent pour l’expérience humaine d’un projet d’équipe convivial et ludique. Dans cette optique, les participants sont souvent amenés à devenir polyvalents, vu le nombre de disciplines convoquées dans la fabrication d'un film d'animation.

Plusieurs questions (suggérées peut-être par quelques rumeurs malintentionnées) se posent quand au rôle du coordinateur de l’atelier. Certains ont cru que les membres de l’Atelier Collectif venaient réaliser un projet préalablement conçu et mis au point par les animateurs de Zorobabel. Dans ce cas de figure, les inscrits auraient le rôle d’exécutants bénévoles dans une production sur laquelle ils n’ont rien à dire et les animateurs de Zorobabel en seraient les vrais réalisateurs.
Pourquoi a-t-on pu croire cela ? Il faut dire que le bénévolat, comme mode de fonctionnement, est courant dans le cinéma traditionnel vu le coût de celui-ci.

Quelque soit la position morale que l’on peut tenir par rapport au bénévolat, l’Atelier Collectif ne se situe de toutes façons pas dans ce débat. On ne vient pas à Zorobabel pour avoir la « chance » de travailler sur un film d’animation professionnel et pour un réalisateur chevronné mais pour réaliser un film d’animation dont on est le co-réalisateur. On vient à Zorobabel pour être partie prenante d’un projet d’équipe sans qu’il y ait de hiérarchie entre les participants, pour développer un projet propre au groupe où tout le monde a son mot à dire.

Le projet est clairement élaboré dans un contexte d’Éducation Permanente, où l’on s’échange les savoir-faire, on l’on partage des moments de vie et de création, hors de toute contrainte et obligation d’horaire et de rentabilité. Si, parmi les membres de l’équipe, s’insère une personne qualifiée dans un domaine de la réalisation, ce ne doit pas être dans la perspective d’une rémunération mais dans l’idée de créer en collectif.
Sont donc rémunérés les personnes extérieures au projet engagées pour leur compétence et n’ayant pas le statut d’auteur du film: les comédiens, les musiciens, l’ingénieur son du studio Dolby, etc.

Si l'on connaît le destin d'un court métrage d'animation, on sait que ce type de film ne connait pas de carrière particulièrement lucrative. Il n'est donc pas à l'ordre du jour de nous lancer dans l'industrie de l'animation, celle des séries télévisées, des spéciaux TV ou des longs métrages. Nous tenons à préserver l'indépendance que nous donne le court métrage. Un projet télévisuel imposerait inévitablement des délais et une pression qui ne serait pas en accord avec nos objectifs sociaux et culturels.

Les derniers longs en volume sortis sur nos écrans ont été produits avec des moyens américains ("Nightmare before Christmas", "Chicken run"), si l'on excepte des initiatives totalement folles et passées inaperçues comme le superbe "The legend of the sky kingdom" de Roger Hawkins, produit au Zimbabwe.

Pour revenir au rôle de l'animateur, qui, comme on l'a dit plus haut, ne vient pas avec un scénario tout fait en début de projet, il n'est pas exclu qu'il propose une base de travail préalable. Celle-ci ne reflète en aucun cas la volonté d’imposer un scénario préparé de longue date avant les premières réunions.

Quelques exemples :

Pour « Jan Hermann », les animateurs ont suggéré un processus de création pour permettre de rompre avec les clichés que pourrait générer un scénario collectif. Il s’agissait d’élaborer l’histoire en partant d’interviews existantes. Le travail de recherche et de sélection des interviews fut mené par le groupe et une histoire émergea naturellement de cette démarche. Ces interviews furent ensuite retravaillées, détournées et réinterprétées.

Beaucoup de nouvelles ont été proposées. nous discutions régulièrement des possibilités d’adaptation. Des résumés ont été rédigés et le choix s’est porté sur une nouvelle, trouvée dans un recueil apporté par un stagiaire.

Cette base de travail proposée par l'animateur reste assez ténue (un conte, un procédé, etc.) et permet bien souvent de lancer la discussion au sein du groupe en début de projet.

Il garantit un suivi à toute les étapes de réalisation mais aussi de production. Il rassemble les idées au moment du story board dont il assure la finalité, maîtrise le matériel technique de prise de vue, de son et de postproduction, recherche les comédiens, recherche les financements, fait le lien avec les instances publiques, etc. Étant présent de bout en bout pendant la réalisation, il est inévitablement partie prenante du film et il serait hypocrite de considérer qu’il est abstrait du processus de création, sachant qu’il porte le projet pendant une année entière.

Les films sont réalisés avec de moyens professionnels (35 mm – son Dolby) et sont ensuite, malgré le contexte pédagogique dans lequel ils naissent, diffusés en festival ou en télévision au même titre que n’importe quel court métrage réalisé dans des conditions de productions traditionnelles. Tout simplement parce qu’il n’y a pas de catégorie pour ce type de production : ce n’est ni un film professionnel, ni un film d’étudiant (Zorobabel n’est pas une école).

Si ces films sont diffusés, ils génèrent donc des recettes. Il y a les prix en festivals, les passages en télévision, les avant-séance dans les salles de cinéma, une édition en DVD et les droits d’auteur. Toutes ces recettes sont destinées exclusivement à la production des films de l’Atelier Collectif. Il n’était en effet pas imaginable de pouvoir répartir les sommes entre les différents participants, compte tenu qu’ils sont nombreux (pour « Barbe Bleue », nous étions 80, chacun aurait obtenu une somme ridicule sans compter qu'il faudrait y retrancher le salaire lié au travail de comptabilité et de gestion de cette répartition)

C'est donc sur base du volet social du projet que les instances publiques soutiennent ce projet plus que sur base du volet culturel. Et ce projet a indéniablement une dimension sociale. Mais, vu la qualité des films, la dimension culturelle est tout aussi présente. Nous avons bien obtenu deux fois une aide du secteur culturel, service cinéma, mais la configuration de production qui est la nôtre, à savoir un projet en équipe, et avec des amateurs de surplus, ne rentre pas tout à fait dans le cadre de leur critère de sélection, ce n’est donc pas uniquement la qualité des films qui est jugée. Par contre, ce même service cinéma a déjà octroyé trois prix aux films de l’Atelier Collectif; il y a donc, de la part de la sphère culturelle et par la bande, une forme de reconnaissance pour ce travail, en dehors de la sphère strictement sociale.

Si les films collectifs ou amateurs n'entrent pas dans les critères de cette politique d'aide au cinéma, c'est parce que les instances publiques préfèrent aider les courts métrages d'un jeune cinéaste prometteur, qui, un jour, réalisera un long métrage, qui, un jour, brillera dans les festivals internationaux. Cette politique culturelle est donc une politique étrangère, un peu comme dans le sport. Il est donc logique que notre démarche ne cadre pas totalement avec leur système d'aide au cinéma.

En ce qui concerne les droits d’auteur, les sociétés de gestion de droit d’auteur n’ont pas prévu une telle façon de fonctionner, sinon par un calcul insensé et, à coup sûr, arbitraire, de la contribution de chacun. Il est impossible de déterminer clairement qui a fait quoi, qui a eu telle ou telle idée, et dans quelle proportion. En cinéma traditionnel, la distinction auteur ou pas ne reflète pas la complexité de la genèse d’une création. Le scénariste, le réalisateur et le musicien sont considérés comme les auteurs.

Toute une série de créateurs tiennent un rôle crucial dans l’élaboration du film. Bien souvent, le storyboardeur doit imaginer la mise en scène, le cadrage, le point de vue, le jeu des acteurs, les décors et les accessoires, ce travail s’apparente à celui d’un auteur de bande dessinée. De même, l’animateur dans une animation en volume tient le rôle d’un metteur en scène, prenant en compte la dramaturgie et la psychologie des personnages. Il en va de même pour la scénographie, les layouts, les costumes, le montage, la photographie de plateau qui déterminent l’esthétique d’un film.